L’artiste Amélie Belzile se démarque de l’approche technique réaliste des artistes visionnaires de la collection permanente de la Société d’art et d’histoire de Beauport. Elle fragmente sa touche picturale en une mosaïque de formes schématisées aux couleurs denses. Détail de l’éclipse véhicule un symbolisme qui mêle mystère et beauté, lumière intérieure et mouvement.

Pour en savoir plus sur l’art visionnaire de la collection permanente conserver par la SAHB, vous pouvez lire l’article de Myriam Reiss-De-Palma, « L’art visionnaire dans la collection permanente », dans le numéro 9 de la revue Histo’Art.

L’artiste aux nombreux médiums

Quiconque se promène sur l’avenue Royale entre la maison Girardin et la maison Tessier-dit-Lapointe remarquera une maison dont la cours arrière s’apparente à une forêt de sculptures et dont les fenêtres regorgent de plus petits formats, un véritable jardin de sculptures urbain. Le créateur de ce monde unique au cœur de Beauport est l’artiste multidisciplinaire Pierre-Paul Bertin (1926-2006), dont la pratique s’étend de la France au Québec. Ayant pratiqué à fond de multiples médiums, il passe sa vie à créer et à mériter la reconnaissance de ses pairs. Il dira d’ailleurs : « Il y a tant à dire qu’un seul médium ne peut tout contenir ».

Dans ce collage coloriste et abstractisant, l’artiste présente l’un de ses nombreux paysages inspirés du Québec. Les facettes collées sur le support prennent le rôle de mâts et de fanions rivalisant entre eux par leurs couleurs vives et permettent de deviner, au travers ces grandes verticales superposées, la présence des bateaux et voiliers dans une marina, d’où le titre de l’œuvre. En arrière-plan, les grands plans colorés font office de paysage fluvial, équilibrant la composition dans un contraste, où l’horizontalité se trouve rompue par la verticalité des multiples mâts. L’artiste tente ici de faire voir au spectateur toute la vitalité que l’on peut retrouver dans une marina : l’impression d’une forêt étrange de poteaux métalliques, ici transposée dans le langage formel typique de Pierre-Paul Bertin. Chez lui, la couleur sert à composer l’image, où les contrastes étonnants se rapprochent d’un art abstrait, sans vraiment en être. Cette caractéristique se retrouve également dans les autres disciplines d’art qu’il exploite, comme la peinture, la sculpture et la gravure, mais c’est dans ses collages que ces contrastes stimulent le plus les couleurs.

Vous voulez en savoir plus sur les artistes multidisciplinaires? Plusieurs artistes sont reconnus pour leur capacité à maîtriser plus d’un médium, comme Pablo Picasso (1881-1973), Jean Arp (1886-1966) et Jean-Paul Riopelle (1923-2002). Peinture, sculpture, dessin, gravure… rien ne leur font peur, tout est à cultiver jusqu’au bout.

Consultez le site Web de Pierre-Paul Bertin ici.

Nous avons pu apercevoir les œuvres de l’artiste belge, établie ici depuis 1980, dans plusieurs expositions à Québec. À chaque présentation, elles savent rejoindre le visiteur par leur qualité fondamentalement spirituelle. On peut ainsi deviner la formation de De Tremmerie en théologie ; le traitement est vivifiant, comme empreint d’un souffle miraculeux. Bien que ses images présentent souvent des lieux de culte chrétiens, leur force réside toutefois dans la distance à la religion. Visuellement, les photographies ne vantent pas nécessairement l’Église, mais soutiennent plutôt une harmonie de composition. Elles s’inscrivent dans une réflexion sur le sublime, en proposant une contemplation lente de symboles spirituels et notre relation à ceux-ci. Notamment, l’artiste étudie cette thématique à travers des portraits, paysages, natures mortes et abstractions.

L’aspect spirituel, qui touche parfois au sublime, dans l’art vous intéresse? D’autres grands artistes y ont également consacré une multitude d’œuvres : Wassily Kandinsky (1866-1944), Barnett Newman (1905-1970), James Turrell (1943, -), Saya Woolfalk (1979, -) en sont quelques exemples, qu’il vaut la peine d’explorer!

Marius Dubois est un artiste québécois de renoms. Ces œuvres, influencées par l’art de la Renaissance, sont présentes dans de nombreuses collections publiques, dont le Musée national des Beaux-Arts du Québec. Automne sur la rivière Beauport, conserver par la SAHB, recèle un dégradé de divers verts et mauves. Il a su capter l’atmosphère de ce coin de rivière sinueux et ombragé. Cette œuvre propose un accord qui repose sur la mesure, le rythme, l’harmonie entre couleurs et formes.

Pour en savoir plus sur l’art visionnaire de la collection permanente conserver par la Société d’art et d’histoire de Beauport, vous pouvez lire l’article de Myriam Reiss-De-Palma, « L’art visionnaire dans la collection permanente », dans le numéro 9 de la revue Histo’Art.

Peintre, sculpteur et poète de Beauport, Claude Dufour exploite la fantaisie dans une approche formaliste inusitée et unique en son genre. Alliant acrylique et résine de bois, l’artiste nous offre un nouveau langage plastique qui surprend et inspire les spectateurs par sa complexité.

Exploitant l’imaginaire et le trouble fantastique, l’œuvre de Claude Dufour révèle un univers d’illusions. Cet endroit étrange raconte une mémoire, un rêve où apparaissent des formes étrangères et familières à la fois, où l’abstrait et le figuratif semblent s’unir pour dévoiler des analogies. Au centre de la composition, on peut apercevoir ce qui semble être une silhouette sans tête, qui hante le paysage : elle semble errer, s’attarder dans une vision troublée par le rendu plastique. Le paysage abstrait et coloré, strié de toutes parts par l’importance accordée aux textures creuses et inégales, divulgue un style rugueux, primitif même. L’originalité de Dufour réside dans la manière de travailler ses matériaux, où les lignes créent les reliefs, où les textures créent du mouvement, et où la mouvance crée un univers imaginaire.

Le style de Claude Dufour, rugueux et dynamique, se distingue par ses textures, ses stries, ses creux… Ce style à connotation primitive et abstraite s’apparente à celui d’un autre artiste, naturalisé québécois et d’origine espagnole, Jordi Bonet. Citius, Altius, Fortius, murale de la station Pie-IX du métro de Montréal, et Mort, espace, liberté, décorant le mur du Grand Théâtre de Québec, sont des exemples d’œuvres monumentales qui s’approchent des textures du travail de Dufour.

Texte par Arianne Boucher, stagiaire en histoire de l’art

Intuition, spontanéisme, liberté. Ces trois préceptes sont ceux de nombreux artistes, mais chez Richard Fulham, ils font partie d’une philosophie créatrice qui caractérise tout son travail d’artiste. De cette union, l’artiste a su développer une technique unique et singulière, qu’il nomme la « peinture-collage style libre ».

Cette technique fait appel à la gestuelle de l’artiste, qui, littéralement, s’abandonne dans son processus plastique et élimine toutes les contraintes. De plus, elle permet l’utilisation de plusieurs médiums et matériaux différents pour composer une image, comme la peinture en aérosol, l’acrylique liquide, le transfert d’image, le collage, donnant libre cours au hasard et à l’automatisme. Le poids des mots est un bel exemple de peinture-collage style libre, où tous les éléments caractéristiques de l’esthétique « fulhamien ». En effet, l’arrière-plan présente un fond texturé, où l’artiste utilise des objets divers qu’il dispose sur la surface pour les utiliser comme pochoirs : il y vaporise la peinture en aérosol et une fois l’objet retiré, des formes se créent. Avec le collage, ou encore avec le transfert d’image, il peut assembler une scène figurative selon son instinct et le hasard, donnés par sa première phase de composition. Ainsi, Fulham peut associer images et fond abstrait pour créer l’allégorie du poids des mots, représenté ici par la figure soutenant des mots et un ensemble de collage peint. Comme de fait, le sujet est la dernière étape de création. C’est le hasard, la spontanéité, l’autonomie gestique et l’intuition qui mènent au sujet final.

L’esthétique de Richard Fulham est certes unique, mais elle n’est pas sans rappeler l’une des œuvres les plus célèbres du Québec, soit L’hommage à Rosa Luxembourg créée en 1992 par Jean-Paul Riopelle (1923-2002), exposée au Musée National des Beaux-Arts de Québec. Vaste série de toiles de plus de dix mètres de long, l’œuvre présente des silhouettes d’oiseaux et de multiples objets communs, utilisés comme pochoirs pour la peinture en aérosol, qui se trouve à être, comme chez Fulham, le médium principal.

Texte par Arianne Boucher, stagiaire en histoire de l’art

Ce n’est pas un hasard si La Vallée d’Obermann possède le même titre que la pièce composée par le pianiste Franz Liszt. Jouant cette pièce au piano, l’artiste Suzanne Howard s’en inspire pour réaliser une série de tableaux où cette vallée, si fascinante, prend des allures de paysage fabuleux, avec son voile de mystère.

Dans cette Vallée d’Obermann, Howard nous livre sa propre vision, teintée d’un grand sentimentalisme, de ce paysage imaginaire décrit musicalement par Liszt. Le charme et l’envoûtement qui se sont emparés de l’artiste sont clairement visibles dans son œuvre, tant par ses couleurs chatoyantes que par la sérénité qui y règnent. Au-dessus d’une lande où un personnage se tient tout petit dans la grandeur du paysage, une série de lignes diagonales se détachent d’un fond brumeux. Ces lignes sont nul autre que les signes d’une vallée, camouflée dans un brouillard épais, illuminé par un éclat orangé, éphémère. Là se trouve La Vallée d’Obermann, un paysage imaginaire, invisible mais puissant, faisant son apparition au marcheur. Cependant, la vision reste inaccessible, la vallée demeure sublime dans son immensité et dans son indistinction auxquelles se confronte le voyageur. Le paysage domine tout, autant la lande que la minuscule silhouette, exprimant un sublime qui, de la musique, se transpose avec éclats sur le canevas de Suzanne Howard.

Faire accéder le paysage au sublime comme l’a fait Howard était l’une des plus grandes préoccupations des artistes romantiques. C’est entre autres grâce à des peintres comme Caspar David Friedrich (1774-1840) que le sublime s’impose dans les paysages. Pouvant parfaitement rappeler Le Voyageur contemplant d’une mer de nuages de Friedrich, peint en 1818 et conservé à la Kunsthalle de Hambourg, La Vallée d’Obermann exprime ce sublime où les sentiments, l’âme, l’admiration et le mystère s’unissent pour créer une toute nouvelle symphonie picturale.

Texte par Arianne Boucher, stagiaire en Histoire de l’art

Depuis l’avènement de la photographie, l’art se laisse transporter par l’omniprésence de ce médium à pouvoirs répandus. Dotée d’une caractéristique unique, la lumière laissant son empreinte, la pratique photographique est la trace d’un évènement qui a eu lieu. Cette notion peut par contre disparaître ou s’effacer tranquillement avec la manipulation numérique, remettant en question le statut indiciaire de la photographie. C’est ce que Claude La Rivière exploite dans nombre de ses œuvres.

Source en la crypte est une œuvre composée de deux photographies distinctes, réunies ensemble pour créer un espace inexistant, mais qui semble réel. Rassemblant le Cloître de Saint-Émilion en France et l’image de vestiges sur la bordure de la piste cyclable La Liseuse, à Pont-Rouge, La Rivière nous offre une vision idyllique où les ruines, la voûte et la source d’eau composent une vision imaginaire. Comme si elle avait été retirée d’un rêve, l’image donne lieu à une perspective fantaisiste, issue d’une invention : mixant des éléments architecturaux ou des ruines ensemble, l’artiste formule la rencontre entre le réel et l’imaginaire. C’est ce qu’on appelle un caprice architectural (capriccio), où l’artiste use de son imagination pour créer un paysage ou un lieu irréel à l’aide de différents éléments et vues architecturaux. Ici, le caprice se distingue par ses tonalités et contrastes de lumières, accentuant l’effet imaginaire produit par la source d’eau, coulant dans la crypte d’une abbaye en ruines.

Le principe qu’utilise La Rivière pour créer de nouvelles images s’apparente grandement à la pratique artistique d’un photographe contemporain et d’un artiste peintre de la période baroque : Jeff Wall (1946 -), qui utilise la modification numérique sur ses photographies, comme le montre A View of an Apartment (2004-2005), et Giovanni Paolo Panini (1691-1765), connu pour ses vetude et ses capricci.

Consultez le site web de l’artiste ici.

Texte par Arianne Boucher, stagiaire en histoire de l’art

L’artiste Armande Langelier, native de Beauport, a fréquenté l’École des Beaux-Arts de Québec ainsi que l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris avec des maîtres comme Abraham Pincas. Elle ne cesse de se perfectionner et d’apprendre. En 1971, elle ouvre un atelier et elle enseigne les arts, tout en poursuivant sa propre évolution artistique. Elle a reçu de nombreuses distinctions au cours de sa carrière, dont une médaille d’or de la Société canadienne des aquarellistes en 1996 lors du gala international du cercle des artistes peintres et sculpteurs du Québec.

Pour cette œuvre, l’artiste a peint la maison Girardin, l’une des maisons historiques de l’arrondissement de Beauport. Celle-ci est située au cœur de l’ancien bourg, en retrait de l’avenue Royal, elle a été construite entre 1784 et 1819. La maison est aujourd’hui classée comme bien patrimonial.

Pour en savoir plus sur l’histoire de la maison Girardin, vous pouvez visiter le site web Répertoire du patrimoine culturel du Québec.

Texte par Carole-Anne Pouliot, stagiaire en muséologie

Comment transposer un son sur une toile? Il semble que l’artiste peintre Marthe MacLeod ait réussi à répondre à la question en figurant la symphonie qui l’a inspirée. Représentante de la peinture beauportoise, Mme. MacLeod a repris le réel pour l’animer dans l’irréel, où les analogies se forment et créent un dialogue puissant entre la picturalité et le rythme des couleurs.

Mme. MacLeod exprime toute son énergie dans un paysage musical, où les couleurs semblent faire tempête, métaphore d’une chanson ou d’une harmonie. On y devine tout un langage exprimé par la pluralité des couleurs, chacune présentant un son, un bruit, un instrument. Elles s’unissent pour former le mouvement d’un vent, murmurant sa mélodie. Cette analogie est structurée par la touche rapide et coloriste de Mme. MacLeod, qui a transposé ses sensations en un dialecte rigoureux, rythmé par les verticales jaunes, roses, bleues et rouges et emporté dans une danse polychrome qui reprend les impulsions et le tourbillonnement du vent. Le rythme de la peinture est donc symptomatique de l’impulsion musicale, la toile est la portée d’une œuvre sonore où se transigent les notes vivifiantes, offrant un paysage qui sort de l’ordinaire.

La transcription des sons et de la musique dans les œuvres picturales est le lieu d’une nouvelle source artistique que l’avant-garde du début XXe siècle exploite pour plusieurs œuvres, abstraites ou non. Ainsi, on peut retrouver une transcription de la musique chez plusieurs artistes, comme Luigi Russolo (1885-1947), Wassily Kandinsky (1866-1944) et Mark Rothko (1903-1970).

Texte par Arianne Boucher

La nature morte est un genre particulier, où poésie et fragilité s’imposent d’elles-mêmes. Depuis l’Antiquité, ce genre fait partie de la culture artistique, mais ce n’est qu’au XVII^e siècle que le terme « nature morte » apparaît et est définit. Encore aujourd’hui, la nature morte occupe l’espace pictural contemporain, mais, il faut le dire, avec une touche moderne, un legs des avant-gardes et de la simplification des formes qu’elles opèrent dès la naissance de l’impressionnisme. Michel Paquet, a exploité au cours de la carrière artistique plusieurs genres picturaux, dont la nature morte.

Le pot jaune est un petit format modeste, mais possède un aspect moderne, autant grâce aux couleurs qu’à la géométrie des formes. Le style épuré de Paquet met en évidence le sujet de l’œuvre : un pot jaune, dans lequel quatre fleurs se côtoient, et une moitié d’un fruit (une pomme, peut-être) à son côté reposent sur une table. Or, ce qu’on pourrait appeler la ligne d’horizon, qui sépare la table du fond verdâtre, est brisée et ce, de façon subtile. En effet, on remarque que la ligne de séparation à gauche est plus élevée par rapport à celle de droite, ce qui laisserait sous-entendre un certain déséquilibre, ou encore une multiplication des points de vue (un côté de la table pourrait être une vue en plongée et l’autre, comme le pot de fleurs, une vue de face). En outre, l’œuvre de Michel Paquet ne montre pas, ou peu, de volumétrie, ce qui contribue à affirmer la planéité du tableau, tout comme la monochromie présente dans plusieurs de ses tableaux. Ce dernier aspect est caractéristique du travail de l’artiste : les nuances de couleurs et l’équilibre des teintes, parfois modérées par une touche de couleur cassée, donnent aux formes schématisées leurs aplats de couleur.

Les œuvres de Michel Paquet rappellent la touche moderne des peintres du début du XX^e siècle. On pensera notamment à Georges Braque (1882-1963), reconnu pour sa contribution à l’essor du cubisme et pour ses nombreuses natures mortes, mais aussi à Paul Cézanne (1839-1906), souvent qualifié par les historiens de l’art comme étant le « père de l’art moderne ».

Texte par Arianne Boucher, stagiaire en histoire de l’art

L’artiste céramique sculpteure Dolorès Plourde Duong s’est établie à Beauport en 1981. En 1991, elle a complété un certificat en histoire de l’art à l’Université Laval, effectuant des recherches sur les œuvres en terres cuites et les dessins dans les cavernes. Elle souhaite susciter des réactions avec ses œuvres à l’aide, entre autres, de la symbolique du matériau. Selon l’artiste, le Raku, une technique japonaise de cuisson de la terre, lui permet de rendre ses créations uniques, comme il est possible de l’observer avec ce vase intitulé Sans Titre.

Dolorès Plourde Duong possède son propre atelier de sculpture, « Cythère », à Beauport et vous pouvez consultez le site Web de l’artiste ici.

Texte par Carole-Anne Pouliot, stagiaire en muséologie

Les grands formats réalisés au crayon de couleur par Jean-Guy Pomerleau ne laissent pas indifférent tant par la technique que par la simplicité qu’il témoigne. Ayant exposé à la SAHB en 2014, Pomerleau et ses œuvres donnent envie de ressortir nos vieux crayons couleur.

L’art graphique est depuis toujours présent dans les arts visuels et l’artiste lui rend hommage par l’utilisation de crayons couleur, son médium de prédilection. Pour Pomerleau, c’est une manière de partager l’histoire d’un objet et, par le fait même, de l’ennoblir. Ainsi, la chaise rouge n’est pas qu’une chaise : c’est LA chaise, celle qui a une histoire, celle qui a le privilège d’être représentée. De plus, Chaise amène une dimension universelle grâce à l’image de l’objet domestique, mais aussi grâce à la banalité de l’objet représenté. L’objet quotidien, ordinaire qu’est la chaise est un objet que les spectateurs ne voient plus à force de le côtoyer tous les jours, mais Jean-Guy Pomerleau les contraint à le remarquer, que ce soit par le contraste fort des couleurs ou par l’insistance de la forme classique de la chaise. Ainsi transposé, le banal obtient une tout autre nature : il devient un objet pur, selon la théorie de Jean Baudrillard (Les Stratégies fatales, Paris, Livre de Poche, 1986), un objet qui mérite le travail patient et les longs processus plastiques des artistes de la trempe de Pomerleau. L’ordinaire, qui est, au fond, pas si banal que cela, a inspiré plusieurs grands artistes autant la nature morte que la photographie et la sculpture.

Nous vous invitons donc à découvrir des artistes tributaires du banal : le duo de photographes Fischli & Weiss, composé de Peter Fischli (1952 -) et David Weiss (1946-2012), Andy Warhol (1928-1987), avec ses fameuses Brillo Boxes et ses Campbell’s Soup Cans et Marcel Duchamp (1887-1968), le maître du ready-made.

Texte par Arianne Boucher, stagiaire en histoire de l’art

Konkwe Honkwe Ni présente un monde imaginaire qui suggère le rêve dans un climat mélancolique avec ses couleurs grises. Cette œuvre de l’artiste autochtone Manon Sioui, évoque la richesse intérieure, des songes et des visions de la culture amérindienne qui se caractérisent par une symbiose de l’homme avec la nature. Le tronc d’arbre semble protéger les rêves de la jeune femme face à la faune nocturne.

Pour en savoir plus sur l’art visionnaire de la collection permanente conserver par la Société d’art et d’histoire de Beauport, vous pouvez lire l’article de Myriam Reiss-De-Palma, « L’art visionnaire dans la collection permanente », dans le numéro 9 de la revue Histo’Art.